Richard Sammel wurde in Heidelberg geboren.

In Hildesheim (Deutschland) und anschließend in Aix-en-Provence wurde er in Musik, Tanz und Theater ausgebildet. In Rom studierte er Schauspiel bei Susan Strasberg und Francesca De Sapio. Heute lebt er zwischen Paris und Berlin.

Als international tätiger Künstler spielte er in rund vierzig Filmen in Europa – auf Deutsch, Englisch, Französisch oder Italienisch – unter der Regie von Quentin Tarantino, Guillermo Del Toro, Mc G, Luc Besson, Martin Campbell, Bertrand Tavernier, Claude Lelouch, Jean-Paul Rappeneau, Roberto Benigni, Christophe Gans, Dario Argento, Michel Hazanavicius, Kader Ayd, Katia Lewkowicz, Philip Koch, Roberto Andò, Maria Peters oder Gregory Kirchhoff.

Im Theater wirkte er als Schauspieler und Regisseur in Deutschland, Portugal, Italien, England, Russland und Kanada. Dabei brachte er Texte von Autoren wie Puschkin, Molière, Nabokov, Goethe, Seneca, Tschechow auf die Bühne – zuletzt in Paris Le Bal von Jeanne Frenkel und Cosme Castro.

Im Fernsehen spielte Richard Sammel in über dreißig Fernsehfilmen, sowie markante Rollen in Serien: Thomas Eichhorst in vier Staffeln von The Strain (Guillermo Del Toro), Heinrich Müller über sieben Jahre hinweg in Un Village Français, außerdem in der Mini-Serie The Head von Erik Osterland oder Der Name der Rose von Giacomo Battiato.

Im Jahr 2012 wurde er beim Internationalen Filmfestival von Syrakus (Syracuse International Film Festival) mit dem Preis als Bester Schauspieler für seine Rolle in Ruggero Dipaolas Appartamento ad Atene ausgezeichnet.

Nach Studien in Rechtswissenschaften und Geschichte sowie langen Reisen durch die Vereinigten Staaten, England und rund um das Mittelmeer, entschied ich mich, mich dem Theater zu widmen – zunächst als Autor, später zunehmend als Schauspieler und Regisseur, wobei ich versuche, die eine Praxis durch die andere zu erhellen.

Alles begann 1995 in der Manufacture des Œillets in Ivry mit meiner ersten Inszenierung Costa Dorada nach Artaud und Jacques Prevel, gefolgt von meinem Stück Bedlam, das am Théâtre La Colline inszeniert wurde, sowie dem Abenteuer Quatre Heures à Chatila mit Evelyne Istria im Nahen Osten. Danach folgten Sarcelles sur Mer von meinem Vater Jean-Pierre Bisson am Théâtre de La Tempête, dann Caligula von Albert Camus mit Bruno Putzulu in der Titelrolle am Théâtre de l’Athénée und auf Tournee in Frankreich und im Ausland über drei Saisons, La Pitié Dangereuse von Zweig, die Neufassung von Quatre Heures à Chatila von Genet in Beirut mit der libanesischen Schauspielerin Carole Abboud und schließlich Yella Bye! am Théâtre Monnot in Beirut.

Im Sommer 2018 adaptierte, inszenierte und spielte ich in künstlerischer Zusammenarbeit mit Bruno Putzulu Les Carnets d’Albert Camus im Théâtre du Chêne Noir in Avignon, später am Lucernaire in Paris und auf Tournee in Frankreich und im Ausland über drei Jahre. Beim Festival von Avignon 2019 inszenierte ich L’Amant von Pinter mit Manon Kneusé und Clément Vieu, das 2021 am Théâtre La Scène Parisienne wieder aufgenommen wurde.

In Planung, neben der Inszenierung von La Mort Heureuse von Albert Camus, steht auch La Ligne Solaire von Viripaiev sowie zwei weitere Inszenierungen für 2021: Douce France, ein von mir verfasstes Stück, das im Théâtre Tristan Bernard aufgeführt wird, sowie MAX, eine Adaption meines ersten Romans bei den Editions Actes Sud-Cambourakis über das Leben von Max Linder, mit Jérémy Lopez von der Comédie Française, im Théâtre du Rond-Point.

Sohn von italienischen Einwanderern, entdeckte Jean-Claude Gallotta den klassischen Tanz und das Stepptanz im Alter von 22 Jahren, nachdem er Kunstgeschichte an der Kunsthochschule in Grenoble studiert hatte. Obwohl er sich selbst als „Nicht-Tänzer“ bezeichnet, gewann er 1976 (und erneut 1980) den Preis beim internationalen Choreografiewettbewerb von Bagnolet, einem Wettbewerb, der all jene hervorbrachte, die die „Nouvelle Danse Française“ prägen sollten.

Nach einem Aufenthalt in New York Ende der 70er Jahre, wo er Merce Cunningham traf und die Welt des Tanzes (Yvonne Rainer, Lucinda Childs, Trisha Brown…) entdeckte, gründete Jean-Claude Gallotta 1979 in Grenoble – zusammen mit Mathilde Altaraz – die Gruppe Émile Dubois. Diese wurde 1981 Teil der Maison de la Culture in Grenoble als Zentrum für choreografische Kreation und wurde 1984 eines der ersten Nationalen Choreografischen Zentren. Sein erstes großes Werk Ilysse (1981), ein „weißer Ballett“, das mit den Codes des klassischen Tanzes spielt, ohne sie zu zerstören, öffnete ihm die Türen zur internationalen Anerkennung.

Es folgten Daphnis et Chloé (1982), ein intimes Trio, das über die Jahre und Generationen hinweg weltweit wiederaufgenommen wurde; Hommage à Yves P., eine Nacht des Tanzes in vier Akten, die beim Festival d’Avignon 1983 große Beachtung fand; Mammame (1985), ein weiteres Werk, das heute einen festen Platz in der Tanzgeschichte hat und unter anderem von Raul Ruiz für das Kino adaptiert wurde. Von 1986 bis 1989 leitete er die Maison de la Culture und wurde so der erste choreografische Direktor einer nationalen Bühne.

Zu seinen bedeutenden Werken gehören auch eine Reihe von Stücken, die sich mit den „Menschen“ befassen: 99 duos (2002), das am Théâtre National de Chaillot aufgeführt wurde; Trois Générations (2004), ein Triptychon, das aus identischen Bewegungen besteht, die von Kindern, Erwachsenen und Senioren getanzt werden; Des Gens qui dansent (2007) und schließlich Racheter la mort des gestes – Chroniques chorégraphiques (2012), das im Théâtre de la Ville in Paris gezeigt wurde und professionelle Tänzer mit Menschen aller Altersgruppen, Körperformen und Lebensgeschichten vereint. Das so entstandene Repertoire (mehr als achtzig Choreografien) wurde im Laufe der Jahre durch die Verbindung von Tanz mit anderen Kunstformen bereichert.

Nach Studien in zeitgenössischer Literatur und Journalismus wurde Pierre Martin Oriol Video-Künstler für die darstellenden Künste. Sein heutiges Arbeiten konzentriert sich auf die Beziehung zwischen Text und Bild, Grafikdesign und den Einsatz von Live-Video.

Mit Si vous pouviez lécher mon cœur und dem Regisseur Julien Gosselin schuf er die Videos für Les Particules élémentaires (Avignon, 2013), 2666 (Avignon, 2016), die Trilogie von Don DeLillo (Avignon, 2018) und Le Passé (Odéon, 2021).

Er arbeitet auch mit Tiphaine Raffier (La Chanson, Danse le Nom, France-fantôme und La réponse des Hommes) und Christophe Rauck (La Faculté des rêves und Dissection d’une chute de neige).

Mit Ted Huffman konzipiert er Videos für Opern in London (4.48 Psychosis), Amsterdam (Trouble in Tahiti), Brüssel (The Time of Our Singing) und Philadelphia (Denis & Katya).

Er ist auch Regisseur, unter anderem von La Science et l’Hypothèse und Relativité Générale. Seit 2021 ist er assoziierter Künstler am Théâtre Nanterre Amandiers, wo er Nanterre realisierte.

EIN ROMAN WIE EIN KRIEGSSTÜCK

Bemerkenswert geschrieben für einen ersten Roman, verbindet La Mort Heureuse rein imaginäre Passagen mit anderen, die viele Momentaufnahmen aus Albert Camus’ persönlicher und intimer Erfahrung mischen, und oft ist es diese autobiografische Unruhe, dieses fast unverschämte Bekenntnis, das uns durch die Wahrheit, die darin steckt, mitreißt.

Selten findet man in Camus’ Werk eine derart „entblößte“ Darstellung der physischen wie auch moralischen Fragen und Fieber des Autors von Le Premier Homme. Albert Camus legte das Manuskript dieses ersten Romans nach seiner Fertigstellung zugunsten von L’Étranger beiseite. La Mort Heureuse wurde posthum auf Initiative seiner Witwe, Francine Camus, 1971 veröffentlicht. Camus schrieb diesen ersten Romanversuch zwischen 1936 und 1938. Es ist ein kurzes Werk: nur etwa hundert Seiten.

Zweifellos gibt es offensichtliche Ähnlichkeiten zwischen L’Étranger und La Mort Heureuse, doch dieser Erzählung, im Gegensatz zum sehr geistigen Charakter von L’Étranger, scheint ein sensibler, formaler und visueller Stoff innezustecken, der natürlich theatralisch und fast filmisch ist – ein Reservoir von Bildern und markanten Eindrücken sowie die Wege von Figuren, die zugleich außergewöhnlich menschlich und mythologisch sind.

Das Besondere an diesem Theaterstück wäre es, die Grausamkeit dieser modernen Fabel, in der das Geld die unerbittliche Fatalität der Antike ersetzt, die die Lebenskurve beugen oder das Ende einer Existenz beschleunigen kann, vollständig zu umarmen. Wir befinden uns hier tatsächlich zwischen dem Fieber der persönlichen Erfahrung, der Qual des modernen Menschen, verloren wie verlagert in einer Zeit, die er nicht mehr versteht, beherrscht von König Geld und der faszinierenden Welt des Mythos.

Die Gnade von Camus, für den „das Schreiben eine der wenigen reinen Dinge in seinem Leben war“, war es, dieses gottlose, rein menschliche Geheimnis, so tief und so originell, zu umarmen, es so stark und intim zu fühlen, dass er es über uns wie einen obsessiven Schatten schweben ließ: Wir haben keine Zeit, wir selbst zu sein, kaum die Zeit, glücklich zu sein.

Für Mersault wie auch für Camus am Anfang seines Lebens war „der Tod nur ein Unfall des Glücks.“
Stéphane Olivié Bisson