Ivo Pogorelich
Lundi, 23 mars 2026, 20:00
BFM, Genève
Concert
Musique
Présentation
Après deux années d’absence, le retour d’Ivo Pogorelich à Genève s’annonce comme un événement musical exceptionnel. Son jeu, à la fois technique et émotionnel, continue de fasciner et de séduire le public du monde entier. Esprit chercheur, apprécié pour sa capacité de découvrir de nouvelles possibilités expressives de la musique, le style de Pogorelich suit des valeurs esthétiques les plus élevées, porté par une virtuosité unique ainsi qu’une maîtrise technique totale.
Ses interprétations suggestives formées par un goût musical raffiné, peu fréquentes de notre temps, ont élargi les horizons de l’interprétation et de la compréhension du répertoire pour piano en établissant de nouveaux standards de l’art pianistique.
Ce concert est une occasion unique d’assister à la performance d’un des plus grands pianistes de notre temps. Son interprétation unique et son charisme en font un artiste incontournable.
Ivo Pogorelich – piano
Programme:
Beethoven revolution:
– Sonate n° 8 en do mineur “Pathétique”, Op. 13
– Sonate n° 17 en ré mineur “La Tempête”, Op. 31/2
Entracte
– Bagatelles, en ré majeur, Op. 33/6
– Bagatelles, en mi bémol majeur, Op. 126/3
– Sonate n° 23 en fa mineur “Appassionata”, Op. 57
Ouverture des portes 19h00
Durée 1h30 avec entracte
Pas de limite d’âge
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Actualité
Le pianiste Ivo Pogorelich en récital à Genève, un monde intérieur aux couleurs sombres
Programme
“Mozart et Chopin, alors et aujourd’hui – par Ivo Pogorelich”.
Le programme de ce soir, interprété par le grand pianiste Ivo Pogorelich, met en regard des œuvres de Wolfgang Amadeus Mozart et de Frédéric Chopin. Bien que séparés par un demi-siècle et enracinés dans des contextes culturels différents, ces deux compositeurs révèlent un lien profond par leur recherche partagée de beauté mélodique et d’expressivité. Mozart, maître du classicisme viennois, allie équilibre formel et invention thématique, tandis que Chopin, figure centrale du romantisme, tire du piano des couleurs et des nuances inédites, en faisant un instrument de poésie. Ensemble, leurs créations illustrent deux facettes essentielles de l’histoire de la musique pour clavier : la clarté lumineuse de la forme classique d’une part, et la subjectivité passionnée du romantisme d’autre part.
NOTES SUR LES ŒUVRES
WOLFGANG AMADEUS MOZART
• Fantaisie K540
Composée en 1789, la Fantaisie K540 illustre la capacité de Mozart à exprimer une large palette émotionnelle dans un cadre relativement bref. Écrite en ré mineur, tonalité souvent associée à la gravité et au drame dans son œuvre, cette fantaisie propose une alternance de passages lyriques et de séquences plus sombres. Sa forme libre, typique du genre de la fantaisie, offre à l’interprète la liberté de déployer une grande expressivité, tout en restant fidèle à la richesse harmonique mozartienne.
• Fantaisie K475
Datée de 1785, la Fantaisie en ut mineur K475 est l’une des plus audacieuses de Mozart pour piano. Ses sauts de tonalité et ses changements soudains de caractère témoignent d’une inventivité harmonique remarquable. L’œuvre évolue sans cesse entre tension et éclaircies, créant un sentiment d’imprévisibilité qui fascine l’auditeur. La construction est d’autant plus saisissante qu’elle associe un sens rigoureux de la forme et une exubérance expressive typiquement mozartienne.
• Fantaisie K397
Composée en 1782, la Fantaisie en ré mineur K397 est réputée pour sa beauté mélodique et pour sa conclusion, probablement complétée par un tiers après la mort de Mozart. Malgré cela, elle conserve une grande finesse et un lyrisme poignant. On y perçoit le talent de Mozart à conjuguer douceur et vitalité, notamment grâce à des contrastes rythmiques et des modulations rares pour l’époque.
• Sonate n° K331
La Sonate en la majeur K331 (1783) est mondialement connue pour son dernier mouvement, surnommé “Rondo alla Turca”. Cette sonate adopte une forme singulière : elle débute par un thème et variations, un procédé dans lequel Mozart excelle en renouvelant sans cesse l’intérêt musical. Le deuxième mouvement, un menuet gracieux, apporte une respiration élégante, avant de laisser place au célèbre final, dont le rythme et les accents exotiques rappellent les musiques turques à la mode au XVIIIe siècle.
FRÉDÉRIC CHOPIN
• Nocturne op. 55/2
Écrit en 1843, ce nocturne en mi bémol majeur est l’un des chefs-d’œuvre de la maturité de Chopin. Les nocturnes, inspirés en partie par le compositeur irlandais John Field, deviennent sous la plume de Chopin des pièces d’une grande subtilité harmonique et d’une intense poésie. L’op. 55/2 se caractérise par sa ligne mélodique envoûtante, ses modulations délicates et ses transitions fluides. L’interprète doit en souligner les nuances intimes, entre rêverie et émotion retenue.
• Trois Mazurkas op. 59
Datées de 1845, ces trois pièces expriment l’attachement de Chopin à ses racines polonaises. La mazurka, danse populaire de son pays natal, devient entre ses mains un laboratoire d’inventions harmoniques et rythmiques. La première (en la mineur) est marquée par une mélancolie subtile, la seconde (en la bémol majeur) par une ambiance plus vive, tandis que la troisième (en fa dièse mineur) associe nostalgie et passion. En les écoutant, on mesure comment, chez Chopin, une forme folklorique se transforme en une œuvre de haute expression artistique.
• Sonate n°2, op. 35
Composée en 1839, la Sonate n°2 en si bémol mineur est célèbre pour son troisième mouvement, la fameuse “Marche funèbre”. Cette sonate, l’une des plus ambitieuses de Chopin, se caractérise par un contraste permanent entre puissance dramatique et lyrisme intime. Le premier mouvement, empreint de tension, génère une atmosphère sombre que le scherzo suivant contrebalance en évoquant un tourbillon imprévisible. La “Marche funèbre”, quant à elle, se dresse comme un sombre monument sonore, portée par une pulsation lente et solennelle. Le dernier mouvement, rapide et fuyant, conclut l’œuvre en laissant une empreinte de mystère, comme si la musique s’évanouissait dans l’obscurité.
En unissant l’élégance narrative de Mozart et le raffinement poétique de Chopin, ce programme rend hommage à deux visions différentes de la musique pour piano, tout en soulignant leur point commun : la quête, toujours inassouvie, d’exprimer la profondeur de l’âme humaine. L’interprétation d’Ivo Pogorelich, avec sa sensibilité hors du commun, promet de révéler toute la richesse et la modernité de ces œuvres intemporelles.
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Vahan Mardirossian
Après avoir passé 9 ans à la tête de l’Orchestre de Caen (2010-2019), Vahan Mardirossian est nommé Chef Principal du City Chamber Orchestra of Hongkong (CCOHK) en septembre 2019 et Directeur musical de l’Orchestre Royal de Chambre de Wallonie (ORCW) à partir de janvier 2020. Il est également Directeur Musical de l’Orchestre National de Chambre d’Arménie (NCOA) depuis 2011.
Pianiste reconnu internationalement et chef d’orchestre, Vahan Mardirossian combine depuis plusieurs années ses deux passions en dirigeant les concertos du clavier (Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Grieg, Chostakovitch…). En tant que soliste, il s’est produit sous la direction de grands chefs tels que Kurt Masur, Paavo Järvi, Yutaka Sado, John Axelrod, Yuri Ahronovith… et a enregistré plusieurs disques consacrés à Schubert, Brahms, Bach, Händel, Beethoven, Tanguy, Mulsant…
La rencontre avec Kurt Masur est déterminante dans la carrière de Vahan Mardirossian. A l’invitation du Maestro, il dirige l’orchestre de Manhattan School lors d’un séminaire de direction d’orchestre à New York. Cette opportunité orientera définitivement sa carrière dans cette voie.
En 2005, Vahan Mardirossian crée l’orchestre « Maestria » avec lequel il se produit dans toute la France, dont Paris au Théâtre des Champs-Élysées et Toulouse à la Halle aux Grains.
Il est régulièrement invité à diriger des orchestres prestigieux tels que le NHK Symphony Orchestra, le New Japan Philharmonic Orchestra, le Tokyo Philharmonic Orchestra, le Prague Philharmonic Orchestra, l’Orchestre National des Pays de Loire, l’Orchestre Symphonique de Moscou « Russian Philharmonic », l’Orchestre Sinfonica de Sanremo, le Real Orchestra Sinfonica de Sevilla, le Philharmonie Südwestfalen, l’Orchestre Colonne…
Il a collaboré avec des solistes de renommée internationale comme Ivry Gitlis, Alexander Markov, Augustin Dumay, Akiko Suwanai, Sergeï Babayan, Alexandre Kantorow, Lars Vogt, Vladimir Sverdlov-Ashkenazy, Diemut Poppen, Brigitte Engerer, Xavier Phillips, Kun Woo Paik, Richard Galliano, Viktoria Postnikova, Daishin Kashimoto, Sergueï Nakariakov, Gary Hoffmann, Alexander Chaushian, Roland Pidoux, Alexandra Soumm, Alexander Ghindin, Igor Tchetuev, Polina Leschenko, Ashley Wass, Jean-Marc PhillipsVarjabedian, le Trio Wanderer, Jean-Claude Pennetier, Jacques Rouvier, Svetlin Roussev, Marc Coppey, Pavel Vernikov, Nicolas Dautricourt, Stéphane Béchy, Guy Touvron, Stéphanie-Marie Degand, …
Son vaste répertoire s’étend des chefs-d’œuvre baroques aux œuvres contemporaines (Tanguy, Saariaho, Rautavaara, Hersant, Dutilleux, Rihm, Kagel, Crumb, Ligeti, Mulsant, Canat de Chizy…).
Orchestre de Douai Région Hauts-de-France
Fondé en 1971, l’Orchestre de Douai Région Hauts-de-France est une grande formation symphonique, au répertoire large et accessible à tous. Sous la direction d’Henri Vachey, son fondateur, puis de Stéphane Cardon et de Jean-Jacques Kantorow depuis 2013, l’Orchestre de Doua Région Hauts-de-France a donné plus de 1.500 concerts dans 201 villes de sa région d’origine, mais aussi dans toute la France (Martinique comprise) et à l’étranger (Belgique, Allemagne, Grande-Bretagne, Autriche, Italie, Espagne, Pologne…).
C’est ainsi qu’il réunit chaque année près de 25 000 auditeurs.
En 1985, il a remporté le Prix d’Honneur de la Ville de Vienne (Autriche) et le Premier Prix «absolu» de la Ville de Stresa (Italie) un an plus tard, se distinguant parmi des formations réputées venues du monde entier !
L’Orchestre s’est exprimé à de nombreuses reprises sur Radio-France et sur les principales chaînes de télévision, comme TF1 avec 2 concerts enregistrés lors de la saison 2000/2001, France 2 avec 9 collaborations aux émissions de Jacques Martin et Arte.
De plus l’Orchestre a publié 10 disques, respectivement consacrés à Massenet, à la «Danse des Morts» de Claudel et Honegger (Grand Prix de l’Académie du Disque Français), à Pierné, à la musique de films et de scène d’Honegger, à quatre œuvres d’Henri Vachey, à des pages célèbres de la musique symphonique, à «L’An Deux Mille», création de Pierre Jansen et ainsi qu’en 2001 et 2003, à des «Musiques pour petits et grands». En 2007, à l’occasion de son millième concert, il a publié un coffret CD/DVD consacré à Carmina Burana de Carl Orff (3 diapasons), enregistrement “live” du concert donné à Gayant Expo. En 2011, il édite Entre terres, 5 tableaux pour récitant, orchestre et chœurs de Nicolas Bacri et Philippe Murgier (Ring d’or décerné par Classic Info). Enfin, en 2016, il grave aux éditions arcantus un CD consacré à deux compositeurs du Nord : Edouard Lalo et Albert Roussel (****, excellent disque dans Classica).
Charles Aznavour
Charles Aznavour naît le 22 mai 1924 à Paris dans une famille d’artistes d’origine arménienne. Son père, Mischa Aznavourian, baryton, sa mère, Knar Baghdassarian, comédienne, ont fui le génocide des autorités turques déclenché en 1915. Après la Grèce où Aida, leur fille aînée, voit le jour, ils sont de passage en France dans l’attente d’un visa pour les Etats-Unis. Le couple voit sa vie bouleversée avec l’arrivée du petit Charles. Ils décident de s’installer définitivement à Paris et ouvrent un petit restaurant rue Mr Le Prince. Certains soirs, Mischa Aznavourian pousse la chansonnette au milieu de ses clients, qui comptent beaucoup d’artistes. Le petit Charles voit défiler des chanteurs, des poètes, des comédiens et sa vocation précoce le conduit à passer ses premières auditions à l’âge de 9 ans. Il entre au Théâtre du Petit Monde et fait ses premières apparitions sur scène dans des petits rôles. En 1942, c’est la rencontre avec Pierre Roche, auteur-compositeur, qui va donner une nouvelle direction à sa carrière. Le duo se produit sur scène pendant huit ans et compose également pour d’autres artistes.
En 1946, le tandem est remarqué par Edith Piaf. Séduite par la personnalité des deux complices, la chanteuse leur propose de l’accompagner pour une tournée en France et aux Etats-Unis (1947–1948). En 1948, le duo publie plusieurs titres (J’ai bu, Départ Express…) puis écrit des chansons pour Gilbert Bécaud. La consécration arrive en 1956 lors d’un récital à Casablanca devant un public conquis. Charles Aznavour donne son premier concert à l’Olympia l’année suivante et écrit Sur ma vie, son premier succès. En 1960, c’est avec le titre Je m’voyais déjà qu’il connaît son premier triomphe. Il a alors 36 ans et son statut de star ne sera jamais remis en cause. Les titres s’enchaînent alors : Tu t’laisses aller (1960), Les comédiens (1962), La Mamma (1963), Et pourtant (1963), For Me Formidable (1964), La Bohème (1965), Comme ils dissent (1972)…
Artiste international depuis son premier concert au Carnegie Hall à New York en 1963 il s’est produit sur les scènes du monde entier. Très apprécié outre-atlantique, il fut l’invité d’un épisode du Muppet show en 1976. Charles Aznavour a écrit plus de 1000 chansons, dans cinq langues, et vendu plus de 100 millions de disques à travers le monde. Pourvoyeur de tubes, il a écrit pour de nombreux artistes; dont Johnny Hallyday (Retiens la nuit) et Sylvie Vartan (La plus belle pour aller danser), Eddy Mitchell, mais aussi Dorothée (Chagrin d’amitié) ! En 1995, il achète les éditions musicales Raoul Breton ainsi que son propre catalogue de chansons. En 2010, il reçoit une Victoire d’honneur aux Victoires de la Musique. A 90 ans, il reprend le chemin des tournées qui le mène en mai 2014 sur la scène de l’opéra d’Arménie à Erevan.
Au cinéma, Charles Aznavour fait également une belle carrière; Un taxi pour Tobrouk (1960), Paris au mois d’août (1695), Le tambour (1979), Viva la vie (1983), Emmenez-moi (2005)… Sa longue filmographie, qui totalise plus d’une soixantaine de films, a conduit l’artiste à collaborer avec de prestigieux réalisateurs, Pierre Granier-Deferre, Claude Chabrol ou encore Claude Lelouch.
Charles Aznavour se rend pour la première fois en Arménie en 1963. Puis en 1988 lors du tremblement de terre du pays, l’artiste se mobilise alors et apporte son soutien à l’Arménie. Charles Aznavour réside aujourd’hui entre le sud de la France, à Mouriès et la Suisse près de Lausanne. En 2009, il publie son autobiographie, A voix basse, qui retrace les grandes étapes de sa carrière et de sa vie privée.
Le 1er octobre 2018, Charles Aznavour décède à l’âge de 94 ans.
Côté vie privée, l’artiste est marié en troisièmes noces à Ulla Thorsell, d’origine suédoise. Charles Aznavour est père de six enfants; Seda (1947), Charles (1952), Patrick (décédé à l’âge de 25 ans), Katia (1969), Misha (1971) et Nicolas (1977).